Cinéaste, photographe, plasticienne... Agnès Varda a exploré de multiples modes d'expression pour dire la société avec une grande exigence esthétique. Témoin de son temps, elle le modèlera aussi en donnant une voix et un visage aux plus précaires, aux marginaux, aux révoltés, et participera activement à la lutte pour les droits des femmes. Laure Adler, son amie de longue date, retrace ici ce parcours exceptionnel dans un essai biographique riche et intime illustré par plus de 150 photographies issues des archives personnelles d'Agnès Varda, généreusement ouvertes par sa fille.
Lorsqu'en 1914, Amedeo Modigliani rencontre le marchand Paul Guillaume, au coeur d'un Paris cosmopolite, il est à un moment charnière de sa carrière. Il abandonne la sculpture pour se consacrer exclusivement à la peinture. Cet ouvrage se propose d'explorer les liens entre les deux hommes dans le contexte artistique et littéraire parisien des années 1910, leur amour commun pour les arts africains, ainsi que le rôle déterminant de Paul Guillaume dans la diffusion de l'oeuvre de Modigliani sur le marché de l'art en France et aux États-Unis au lendemain de la mort de l'artiste.
To ensure the well-being of the planet, we need marketing heroes on the barricades for a sustainable future. Research shows that more than 80% of consumers are looking at companies to take the lead in this transition. At the same time, it appears that less than 10% of the messages about sustainability are credible to the public. Speak up Now! helps companies seize this historic opportunity and shows how we can make the shift to a world where business success goes hand in hand with the survival of the planet.
Generational thinking is not a science, but a reliable framework for successful marketing, communications, and product strategy. This book describes how marketing is evolving for the demographic group Generation Y, born between 2010 - the year when the iPad and Instagram were launched - and 2025. This book examines the impact of technology and digitisation on the brains and development of this generation, the world's future consumers. With examples and insight, it shows how young entrepreneurs and influencers use new media to promote their interests and associated brand preferences to their peers and to the world.
Companies face increasingly turbulent times. To what extent are the traditional strategy models still relevant to deal with this new environment? This new book presents how to analyze turbulent environments, how to build new strategies, and how to implement them. Through many case studies managers of large and smaller companies can learn how to successfully react to fundamental change. It covers these topics: 1. What is turbulence: disruption vs. disturbance. 2. Corporate foresight/sensing turbulence (incl. scenario analysis) 3. Choosing the right turbulence strategy 4. Implementing turbulence strategies.
Présentant plus de deux cents tableaux, dessins, gravures et carnets issus de collections publiques et privées, cette rétrospective, organisée de manière chronologique, porte un nouveau regard sur le travail de Staël, en tâchant de rester au plus près de ses recherches graphiques et picturales. Loin du mythe, il s'agit de montrer l'artiste au travail, fasciné par le spectacle du monde - qu'il se confronte à un paysage, un match de football, un ballet ou un fruit posé sur une table. Menant de front plusieurs toiles, Staël travaille de longs mois, avant de condenser ses recherches dans un ou plusieurs tableaux-manifestes. Dans cette démarche expérimentale, le dessin joue un rôle prépondérant, tout comme la volonté d'explorer de nouveaux formats, médiums et outils. Depuis ses toiles sombres et matiérées des années 1940 jusqu'à ses tableaux lumineux peints avant sa mort prématurée en 1955, l'oeuvre de Staël bouleverse délibérément la distinction entre abstraction et figuration, dans la poursuite passionnée d'un art toujours plus dense et plus concis. Grâce une sélection d'oeuvres célèbres ou méconnues, cet ouvrage permet de prendre la mesure d'une quête picturale d'une rare intensité.
Gallimard/Fondation Louis Vuitton
Textes de Natalie Adamson, Hermann Arnhold, Éric de Chassey, Benoît Decron, Pierre Encrevé, Amandine Meunier, Camille Morando, Alfred Pacquement
Des pigments ornant les grottes préhistoriques aux néons lumineux de Dan Flavin en passant par les monochromes d'Yves Klein et les créations de Véronèse, Van Gogh, Delaunay, Warhol et Rothko, cet ouvrage explore à travers 60 chefs-d'oeuvre, l'histoire, les matériaux et la symbolique des couleurs à travers les siècles et les cultures. Accessible, concis et richement illustré, le livre nous explique les quand, comment et pourquoi de l'évolution des couleurs.
Une exploration de l'amitié entre G. Stein et P. Picasso, qui s'est cristallisée autour de leurs approches respectives du cubisme. Des parallèles entre les textes de la poétesse et les toiles du peintre rendent compte des similitudes entre leurs créations littéraires et picturales. L'héritage esthétique de l'écrivaine auprès des artistes contemporains américains est également abordé.
Musée du Louvre/Gallimard
Gallimard/Musée d'Orsay
La référence sur l'histoire de l'art dans un nouveau format de poche, avec une nouvelle préface de la petite-fille de l'auteur.
Histoire de l'art est un best-seller dans le monde entier depuis plus de soixante-dix ans. Attirés par la simplicité et la clarté de son propos, les lecteurs de tous âges et de tous horizons ont trouvé dans le professeur Gombrich un maître qui allie savoir, sagesse et un don pour transmettre sa passion pour le sujet. Remis au goût du jour, avec une nouvelle couverture et une préface de Leonie, la petite-fille du professeur Gombrich, ce format de poche confirme le succès de cette oeuvre classique auprès des amateurs d'art et va devenir un ouvrage de référence pour les générations futures.
Publié pour la première fois en 1994 et régulièrement réédité et enrichi depuis, «Des histoires vraies» revient cette année pour la huitième fois augmenté de trois récits inédits. Sophie Calle continue à nous raconter ses histoires, dans un langage précis et sobre, avec le souci du mot juste. Tantôt légères et drôles, tantôt sérieuses, dramatiques ou cruelles, ces histoires vraies, toutes accompagnées d'une image, livrent dans un work in progress les fragments d'une vie.
« Cette exposition montre comment à partir de l'oeuvre littéraire de Tolkien, un univers pictural est inventé. C'est celui du dessinateur et peintre John Howe. Puisant dans les mythes médiévaux, il crée un imaginaire inédit source de multiples représentations artistiques, jusqu'au cinéma. Landerneau défend l'importance de l'héritage de Tolkien dans l'ensemble de la création artistique et ludique. C'est un fait culturel majeur ! » Michel-Édouard Leclerc Conçue comme une exploration picturale et commentée de l'oeuvre de Tolkien et de l'origine des légendes médiévales, qui de nos jours s'imposent dans la bande dessinée, les jeux vidéo, ainsi que sur les petits et grands écrans, l'exposition présente plus de 250 dessins et peintures de John Howe.
Artiste de renommée internationale, John Howe a d'abord illustré les romans de Tolkien, avant de participer à la direction artistique des deux trilogies cinématographiques Le Seigneur des Anneaux, et Le Hobbit aux côtés du réalisateur Peter Jackson, s'installant plusieurs années en Nouvelle-Zélande durant le tournage des films. Plus récemment, il a également pris part à la création artistique de la série Le Seigneur des Anneaux : Les Anneaux de Pouvoir.
L'évocation des influences poétiques et mythologiques ancestrales telles que Les Eddas, Le Kalevala, La Chanson des Nibelungen, Beowulf, ou les légendes arthuriennes, permet de percevoir à quel point la richesse de l'oeuvre romanesque de Tolkien et de l'imaginaire médiéval puisent leurs sources dans la résonance de ces temps lointains, parfois écrite à l'aide de runes, ou racontée par un barde dans une langue méconnue.
Tolkien participe ainsi à la transmission de ce patrimoine en composant avec génie une mythologie unique et novatrice, devenue pour le monde entier la référence iconique de l'imaginaire médiéval.
L'exposition est complétée par d'authentiques objets d'époque médiévale (armure, épées...).
Pures, abstraites, géométriques ou graphiques, Yves Saint Laurent a inventé une multitude de nouvelles silhouettes en transgressant les formes traditionnelles de la mode.À travers 40 ans de couture, l'ouvrage Yves Saint Laurent, L'Art de la forme et ses trois chapitres - «Minimalisme», «Couleurs», «Noir et Blanc» - explorent la modernité du couturier et ses interrogations sur l'origine de la forme, en proposant des parallèles avec l'histoire de l'art du XXesup ; siècle.
Ce volume est le premier consacré, avec une telle ampleur, à un motif universel et intemporel : le labyrinthe.
De son apparition originelle sur quelque paroi paléolithique à ses applications les plus récentes dans l'industrie du jeu vidéo, cette figure d'une inépuisable richesse symbolique n'a cessé de fasciner l'humanité, à travers les mythes, les récits et les fantasmes qu'elle a suscités.
Au fil de pages servies par une abondante iconographie, le lecteur parcourt ainsi les tours et détours d'une histoire qui prend racine dans toutes les cultures et se déploie dans tous les domaines de la création. Il y croise les mille avatars du labyrinthe : mésopotamien, égyptien, crétois, romain, baltique, indien, précolombien, persan, mais aussi littéraire, pictural, musical ou paysager. Il y explore son usage médiéval et liturgique - un cheminement initiatique, voire un itinéraire de salut -, comme son emploi à partir de la Renaissance lorsque l'image du dédale , truffé de méandres et de culs-de-sac, devient métaphore de la condition humaine.
Mais les auteurs rassemblés autour de Malek Abbou savent également saisir la face heureuse de leur objet, quand le symbole assume la fonction d'un rite printanier, d'une quête de soi, d'une chorégraphie dansée, d'une poétique de la dérive urbaine ou d'une pratique de libertinage amoureux. Ces expériences donnent le ton de cette étude qui a choisi de valoriser aussi le versant solaire du labyrinthe.
Alberto Giacometti (1901-1966), artiste emblématique du XXe siècle, fréquente, dans le contexte de l'après-guerre et jusqu'à la fin de sa vie, différents cercles artistiques, des photographes, des écrivains et des philosophes, échangeant avec toute une nouvelle génération d'intellectuels, du surréalisme finissant à l'engagement existentialiste naissant. Ouvert sur son époque, sociable, actif et créatif dans la diffusion de son oeuvre, il est ainsi regardé par ses contemporains et admiré pour sa sculpture et sa peinture, d'une figuration expressive, qui semblent rendre compte d'un monde meurtri, en reconstruction mais aussi en plein questionnement.
Mêlant sculptures, peintures, gravures, photographies et documents d'archives, cet ouvrage invite à une plongée dans ces années essentielles pour la compréhension des mutations artistiques et intellectuelles de l'après-guerre. Giacometti y apparaît comme un homme pleinement de son temps.
« La vie des femmes est un éternel recommencement. Chaque jour elles doivent prouver la légitimité de leur existence à part entière avec l'autre sexe. Chaque matin elles doivent être à la fois mères, amantes, travailleuses en assumant la charge mentale que nécessite ce détriplement de personnalité. Chaque jour des hommes disent aux femmes : «Ça va mieux aujourd'hui qu'avant, non ? Alors de quoi vous plaignez-vous ?». Les hommes ont raison mais partiellement car, s'il est indéniable que les droits et les acquis des femmes ont fait un bond vertigineux depuis plus d'un siècle en Occident, il n'en reste pas moins que la lutte pour l'égalité femme/homme n'est pas un chemin pavé de roses où les droits les plus fondamentaux sont sanctuarisés et acquis pour toujours.Aujourd'hui l'art n'est plus un interdit lorsqu'on naît de sexe féminin mais ce n'est pas pour autant que les obstacles sont tous levés. Ces femmes ont des destins extraordinaires, la force morale et psychique dont elles ont du faire preuve pour continuer à créer malgré les épreuves force l'admiration comme le constat qu'elles n'ont pas mis leur énergie à se faire connaître mais plutôt à persévérer.»Laure Adler
Cette exposition propose une relecture de l'histoire de la photographie des XXème et XXIème siècles au travers le prisme de la représentation humaine. Elle fait dialoguer deux collections photographiques - celle, publique, du Musée national d'art moderne - Centre Pompidou, et celle, privée, d'un collectionneur français, Marin Karmitz.
Hommes et femmes sont des sujets privilégiés du médium photographique, depuis ses origines. Modèles et/ou acteurs de ces images les représentant, ils et elles incarnent les modes, les styles, les particularités comme les obsessions et les manières de voir du photographe. Portraits posés, corps épiés ou « en soi », corps collectif, en lutte ou opprimés, corps fragmentés et corps interdits... Comment la photographie participe-t-elle à la naissance des identités, et leur visibilité ? Comment documente-elle leur individualité, leur rapport à l'autre, leurs luttes, leur disparition et leur possible renaissance ?
Créée dès les débuts du Centre Pompidou, la collection de photographies du Musée national d'art moderne est devenue en près de quarante ans l'une des plus importantes au monde. Riche de plus de 40 000 tirages et de 60 000 négatifs, elle est constituée de grands fonds historiques (Man Ray, Brassaï, Constantin Brancusi ou Dora Maar) ; elle compte de nombreux ensembles de figures incontournables du XXe siècle, comme des corpus importants de la création contemporaine.
Pour beaucoup, devenir artiste est le rêve de toute une vie. Mais comment y parvenir?? Dans son ouvrage Jerry Saltz, l'une des voix les plus célèbres et les plus passionnées du monde de l'art, propose un manuel indispensable pour les créatifs en tout genre, qu'ils soient peintres, photographes, écrivains, cinéastes, bédéistes ou chefs cuisiniers.
Depuis les premières étincelles d'inspiration - et la manière de les poursuivre sans céder au doute - Jerry Saltz offre un aperçu inestimable de ce qui compte vraiment pour les artistes émergents?: l'originalité, la persévérance, l'équilibre entre connaissance et intuition, et la plus précieuse des qualités, la confiance en soi.
Regorgeant de règles, d'incitations et de conseils pratiques, Comment devenir artiste offre aux artistes de nouvelles façons de surmonter les blocages créatifs, stimuler la motivation et vaincre les mauvaises habitudes, de tirer le meilleur parti des matériaux, de relever les défis de leur carrière et, surtout, de trouver la joie dans le travail.
Un livre destiné à aider les artistes à réaliser leurs rêves.